Le K Samka

Simon Abkarian
Comédien, metteur en scène et auteur, Simon Abkarian a réuni un noyau d'acteurs rencontrés pour la plupart au Théâtre du Soleil au début des années 80, avec lesquels il travaille dans un esprit de recherche et de création avec sa Compagnie Tera.

Il met en scène avec son équipe : Peines d'amour perdues de Shakespeare (Théâtre des Bouffes du Nord 1998), L’Ultime Chant de Troie dont il fait l’adaptation d'après Euripide, Eschyle, Sénèque et Parouïr Sevak (MC93 de Bobigny-2000 ) et Titus Andronicus de Shakespeare, (Théâtre National de Chaillot-2003). Il met en scène Mata Hari de Jean Bescos au Théâtre des Bouffes du Nord et au Théâtre National de Toulouse en 2010/2011.

En 2008 il écrit et met en scène Pénélope ô Pénélope, édité à Actes Sud papiers et remporte le prix du syndicat de la critique 2008 pour le meilleur texte théâtral. (Théâtre national de Chaillot 2008 et en tournée 2009/2010 en France, à Beyrouth, à Madrid...). Il écrit Ménélas rapsodie, édité à Actes-Sud Papiers en 2012. Ménélas rebétiko Rapsodie est crée en 2013 au Grand Parquet, à Paris, suivi d’une tournée en 2013-2014. Il prépare l’écriture de la suite de Pénélope : Le dernier jour du jeûne a été créé au théâtre du Gymnase, à Marseille, en septembre 2013 et a été repris au Théâtre des Amandiers à Nanterre en mars 2014. Les deux spectacles sont nominés au Molières 2014.

Comédien au Théâtre du Soleil dirigé par Ariane Mnouchkine (L’Histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk et L’Indiade d’Hélène Cixous, Les Atrides d’Euripide et Eschyle..). Par la suite il travaille avec Irina Brook dans Une bête sur la lune (Molière du meilleur comédien 2001) de Richard Kalinoski et avec Silviu Purcarete, Paul Golub, Antoine Campo, Simon McBurney, Peter Brook, Cécile Garcia-Fogel, Laurent Pelly...

En 2004 et 2005, il dirige la classe d'improvisation au Conservatoire National de Paris.

Au cinéma il tourne avec Cédric Klapisch, Marie Vermillard, Michel Deville, Xavier Durringer, Atom Egoyan, Jonathan Demme, Robert Kéchichian, Serge Lepéron, Frédérique Balekdjian, Sophie Marceau, Thomas Vincent, Ronit et Shlomi Elkabetz, Jean Pierre Sinapi, Sally Potter, Robert Guédiguian, Martin Campbell, Eric Barbier, Marjane Satrapi et Vincent Paronnaud, Karim Dridi, Philippe Haim, Jean Michel Ribes, Hervé Hadmar, Gilles Banier...

Didier Bezace - L'Entêtement Amoureux
Co-fondateur en 1970 du Théâtre de l’Aquarium à la Cartoucherie, Didier Bezace a participé à tous les spectacles du Théâtre de l’Aquarium depuis sa création jusqu’en 1997 en tant qu’auteur, comédien ou metteur en scène. Il prend ensuite la direction du Théâtre de la Commune pendant 16 années tout en continuant son métier d’acteur au cinéma et au théâtre. Après avoir quitté le Centre dramatique national, en janvier 2014, il crée sa compagnie, L’Entêtement Amoureux.

L’Entêtement Amoureux sans lequel, dit-il, rien ne peut émerger de la confrontation des outils aussi différents et parfois antagoniques que sont un livre dont on tourne les pages et l’espace unitaire du plateau où doit s’incarner la fiction. La scène est l’établi où l’on revient tous les jours de manière obsessionnelle emboiter dans un ordre changeant les éléments disparates d’un rêve à concrétiser. Le temps et l’acharnement, la réflexion, l’amour des matériaux finissent par donner un sens à cette contorsion quotidienne, une forme émerge à laquelle concourent des corps de métier complémentaires et performants traitant le son, l’image, l’espace, le jeu ; un spectacle est en train de naître dont l’auteur est ce mécanicien besogneux et têtu, le metteur en scène. Si l’adhésion du public vient conférer une légitimité à son fragile assemblage on dira que le théâtre existe, se partage et qu’il a peut-être du talent.

Bien des années plus tard, après de nombreuses mises en scène, je n’ai pas changé d’avis. Chaque nouveau projet - qu’il s’agisse d’un texte classique ou contemporain, voué ou non dès sa naissance au théâtre – me rend inexpérimenté, hagard et inquiet, il faut rassembler les forces du désir – les miennes et celles de mes collaborateurs – pour plonger dans l’inconnu et suivre en tâtonnant le chemin escarpé de la création. La seule expérience que j’ai gagnée au cours de ces années consacrées à la mise en scène, c’est qu’au fond de l’incertitude une certitude existe : il y a une solution, elle est cachée, il faut se donner les moyens de la découvrir."

Didier Bezace a créé de nombreux spectacles dont Le Piège d’après Emmanuel Bove, Les Heures Blanches d’après La Maladie Humaine de Ferdinando Camon, La Noce chez les petits bourgeois suivie de Grand’peur et misère du IIIe Reich de Bertolt Brecht (Prix de la critique de la mise en scène en 1995), La Femme changée en renard d’après David Garnett (Molière de la révélation théâtrale), Pereira prétend d’après Antonio Tabucchi créé au Festival d’Avignon en 1997.
En 2001, il crée L’École des Femmes de Molière dans la Cour d’honneur du Palais des papes pour le Festival d’Avignon.
Il reçoit en 2005 le Molière de la meilleure adaptation et celui de la mise en scène pour la création de La Version de Browning de Terence Rattigan.
Il met également en scène Chère Elena Sergueïevna de Ludmilla Razoumovskaïa, La maman bohême suivi de Médée de Dario Fo et Franca Rame, May d’après un scénario d’Hanif Kureishi, Conversations avec ma mère d’après un scénario de Santiago Carlos Ovés qu’il a interprété aux côtés d’Isabelle Sadoyan, plusieurs Pièces courtes de Daniel Keene, Elle est là de Nathalie Sarraute où il jouait aux côtés de Pierre Arditi et Évelyne Bouix, Aden Arabie de Paul Nizan, Les Fausses Confidences de Marivaux, Que la noce commence d’après le film d’Horatiu Malaele et La dernière neige d’Hubert Mingarelli où il est seul en scène.
Didier Bezace a reçu en 2011 le Prix du Théâtre décerné par la SACD.

En 2014, il met en scène "Marguerite Duras, les trois âges", un triptyque composé de Marguerite et le président, Le Square et Savannah Bay au Théâtre de l’Atelier.
Emmanuelle Riva obtient le Prix Beaumarchais de la meilleure actrice, décerné par le Figaro, pour son rôle dans Savannah Bay.
Au théâtre, sous la direction d’autres metteurs en scène, il a interprété de nombreux textes contemporains et classiques notamment Les Fausses Confidences de Marivaux dans lesquelles il interprétait aux côtés de Nathalie Baye le rôle de Dubois, ou plus récemment Après la répétition de Bergman mise en scène Laurent Laffargue aux côtés de Fanny Cottençon et Céline Sallette.
Au cinéma, il a travaillé avec Claude Miller, La petite voleuse ; Jean-Louis Benoit, Dédé ; Marion Hansel, Sur la terre comme au ciel ; Serge Leroy, Taxi de nuit ; Pascale Ferran, Petits arrangements avec les morts ; Claude Zidi, Profil bas ; André Téchiné, Les Voleurs ; Bigas Luna, La Femme de chambre du Titanic ; Pascal Thomas, La Dilettante ; Marcel Bluwal, Le plus beau pays du monde ; Serge Meynard, Voyous, voyelles ; Jeanne Labrune, Ça ira mieux demain, C’est le bouquet et Cause toujours ; Rodolphe Marconi, Ceci est mon corps ; Anne Théron, Ce qu’ils imaginent ; Daniel Colas, Nuit noire ; Valérie Guignabodet, Mariages ! ; Rémi Bezançon, Ma vie en l’air ; Olivier Doran, Le Coach ; Pierre Schoeller, L'Exercice de l'État ; Justine Malle, Cette année- là..., Delphine De Vigan, A coup sûr, Bertrand Tarvernier, L627, Ça commence aujourd’hui et Quai d’Orsay.
À la télévision, il a travaillé avec de nombreux réalisateurs, notamment avec Caroline Huppert, Denys Granier-Deferre, François Luciani, Marcel Bluwal, Jean-Daniel Verhaeghe, Daniel Jeanneau, Bertrand Arthuys, Alain Tasma, Jean-Pierre Sinapi, Laurent Herbiet, Pierre Boutron, Gérard Jourd’hui, Marc Rivière…

L’entêtement amoureux, Cie Didier Bezace est conventionné par le ministère de la Culture et de la communication.

Romane Bohringer / Lisa Schuster
Romane Bohringer joue en 1991 au théâtre sous la direction de Peter Brook "Miranda" dans La Tempête de Shakespeare. Elle a 18 ans et c’est une révélation, pour elle et pour le public. L’année suivante, elle est l’inoubliable interprète du film de Cyril Collard Les Nuits fauves, pour lequel elle reçoit le César du meilleur jeune espoir féminin.
Au cinéma, elle choisit des oeuvres exigeantes, aux côtés de réalisateurs aussi divers que Claude Miller (L’Accompagnatrice), Martine Dugowson (Portraits chinois), Yves Angelo (Le Colonel Chabert), Agnieska Holland (Rimbaud Verlaine), Bigas Luna (La Femme de chambre du Titanic), Olivier Dahan (Le Petit Poucet), Benoît Cohen (Nos enfants chéris), Chantal Richard (Lili et le Baobab), Richard Bohringer (C’est beau une ville la nuit), Maïwenn Le Besco (Le Bal des actrices), Gilles Bourdos (Renoir), Laurent Laffargue (Les rois du monde).
Parallèlement, elle continue à être régulièrement sur les planches des théâtres. Elle joue à nouveau Shakespeare (Roméo et Juliette) sous la direction de Hans Peter Cloos, puis Lulu. Elle travaille également dans une grande fidélité avec, notamment, Irina Brook (La ménagerie de verre, La bonne âme de Se-Chouan et bientôt Lampedusa Beach), Pierre Pradinas (Le conte d’hiver, Fantômas revient, L’enfer, Les amis du placard, Embrassons-nous Folleville) et Michel Didym (Face de cuillère, La marche et tout récemment J’avais un beau ballon rouge).

Lisa Schuster, après sa formation au sein de la classe libre de l’école Florent, débute au théâtre La Bruyère en 1994 dans une mise en scène de Stephan Meldegg.
L’année suivante elle rencontre, au cours d’un travail sur Brecht, le metteur en scène Didier Bezace et c’est le début d’une passionnante collaboration : d’abord au Théâtre de l’aquarium à la Cartoucherie pour La noce chez les petits bourgeois et Grand’peur et misère du troisième reich de Berthold Brecht ainsi que Le piège d’après Emmanuel Bove, puis au Théâtre de la Commune - Centre dramatique national d’Aubervilliers pour Pereira prétend d’après le roman d’Antonio Tabucchi, Chère Eléna Serguéievna de Ludmilla Razoumovskaïa, May d’après un scénario de Hanif Kureishi et plus récemment Que la noce commence d’Horatiu Malaele... des spectacles qui se joueront également en tournée en France et à l’étranger.
En 2000, elle vit la folle aventure des célèbres Brèves de comptoir dans le deuxième opus orchestré par Jean-Michel Ribes. Sur scène ou au cours de master-class, elle travaille avec Murielle Mayette de la comédie française, le metteur-en-scène anglais Dan Jemmett, Olivier Marchal, Christophe Lidon, Laurent Gutmann ou encore le pédagogue Pascal Papini.
En 2009, elle adapte pour la scène et interprète Le journal à quatre mains de Flora et Benoîte Groult qui reçoit un accueil très chaleureux du public et de la critique ; la pièce est nommée "Meilleur Spectacle" aux Molières 2009 et reçoit le Molière "révélation théâtrale". En 2012, elle est seule en scène dans un texte de Christine Brückner mis en scène par Jean-Paul Sermadiras : Eva Braun, la banalité du mal, puis entourée de 17 comédiens dans la mise-en-scène de Didier Bezace Que la noce commence.
En 2015, elle joue pendant tout l’été au Château de Grignan Quand le diable s’en mêle, 3 pièces de Feydeau mises en scène par Didier Bezace.

Laurie Cannac - La Compagnie Graine de vie
Laurie Cannac est une marionnettiste soliste, qui a acquis sa formation de base au Théâtre-Ecole du Passage de Niels Arestrup et Alexandre del Perugia, et l’a complétée, sur les conseils de ce dernier, en allant apprendre son métier de marionnettiste dans la rue, en contact direct avec le public.

Elle fonde en 1997 la Compagnie Graine de Vie pour proposer un théâtre de marionnette très physique, plein d’énergie, d’émotions et de surprises, qui interroge continuellement la marionnette et son rapport au comédien-manipulateur pour les mêler dans un univers poétique.
Ses spectacles, qu’elle en signe la mise en scène ou la délègue, privilégient toujours la multiplicité des niveaux de lecture pour être à la fois populaires et profonds. C’est en puisant à la source des contes et des mythes qu’elle trouve un terrain d’expression ouvert à tous les publics, chaque création jaillissant d’un dialogue entre un propos personnel et une base universelle.
En 2008, quand Ilka Shönbein assiste à ses Petits rêves Faits main, les deux femmes se retrouvent dans les mêmes valeurs et une soif insatiable de créativité au sein de la forme marionnettique. C’est le point de départ d’une collaboration de plus de cinq ans qui donnera naissance à deux spectacles : Faim de loup et Queue de Poissonne, joués plus de cinq cents fois en France et à l’étranger, et toujours actuellement en tournée. Cette collaboration représente pour Laurie une opportunité exceptionnelle de confronter son travail à un maître de marionnette dont la transmission trace un chemin qu’elle désire poursuivre par elle-même à travers sa prochaine création en deux volets Sabbat (2016, pour la rue) et La Véritable histoire de Mélusine (2017, pour la salle).

Principaux spectacles de la Compagnie, solos de Laurie Cannac :
L’Homme de la Manche (1998), à partir du Don Quichotte de Cervantès, ms Alexandre Picard
Graine (2000), à partir d’un conte Siusaidh Bolton, de l’Ile de Man, ms Laurie Cannac
Petits rêves faits main (2003), pour retrouver l’essence de la manipulation dans le dénuement, ms Laurie Cannac
Faim de loup (2009), à partir des différentes versions du Chaperon rouge, Grimm, Perrault et versions orales, ms Ilka Schönbein
Queue de Poissonne (2013), à partir de La Petite Sirène d’Andersen
Laurie Cannac a aussi collaboré avec Käfig (Corps est graphique), Justiniana (On devine la mer tout près), Pudding Théâtre, Chercheurs d’Air...

Jean-Quentin Châtelain - Argos* Théâtre
Né en 1959, le comédien suisse Jean-Quentin Châtelain s’est formé au Cours d’Art Dramatique de Genève, puis au Théâtre National de Strasbourg, avant d’enflammer les scènes francophones dans une cinquantaine de spectacles. Si l’acteur est de la race des monstres de la scène, c’est dans ses spectacles en solitaire qu’il atteint des sommets, laissant le spectateur ébloui et bouleversé.

On pense notamment à Mars de Fritz Zorn, Kaddish pour l’enfant qui ne naîtra pas d’Imre Kertész, Ode maritime de Fernando Pessoa, ou encore, dans un registre plus humoristique, J’ai passé ma vie à chercher l’ouvre-boîtes de Maurice-Domingue Barthélémy, récemment donné au Théâtre du Rond-Point. Jean-Quentin Châtelain est l’un des comédiens les plus fascinants de notre époque. Il a travaillé avec de nombreux metteurs en scène tels que Joël Jouanneau, Alain Françon ou Claude Régy. Dernièrement, on le retrouve à Paris au Théâtre de l’Œuvre dans Gros-Câlin de Romain Gary (Émile Ajar) mis en scène par Bérangère Bonvoisin.

Argos* Théâtre
La compagnie Argos * Théâtre a été créée en 1992 à Lausanne par Darius Peyamiras. La ville d’Argos est l’un des berceaux de la Grèce antique et, partant, du théâtre grec. Comme disait le sage, ce qui compte n’est pas d’atteindre le but, mais de parcourir le chemin (le vaisseau Argo piloté par Jason s’en allait sur le chemin de la toison d’or). Remonter aux origines pour éclairer le présent pourrait être le crédo de la compagnie, et pour cela partir en voyage à travers des textes tant classiques que contemporains, avec la volonté de plonger dans le monde de l’auteur pour en remonter l’essentiel et le restituer au public, c’est à dire le rendre contemporain. Le théâtre est un microcosme, c’est en cela qu’il est fascinant. Il nous invite à faire face aux mystères du monde et des hommes. Oui, le théâtre est un face à face (la scène et la salle par exemple). Dans ce souci de relier l’homme avec ses semblables mais aussi avec sa part de mystère, sa part cosmique, il y a également la volonté de s’emparer de toute sorte de textes : pièces de théâtre, romans, récits, poèmes. Le travail scénique est ouvert : il laisse la part belle aux comédiens et à tous les collaborateurs. C’est une équipe qui va écrire un spectacle sous l’impulsion et la direction du metteur en scène Darius Peyamiras. Travail empirique, en mouvement, en recherche, avec des questions qui stimulent (que dire aujourd’hui de la complexité du monde et des humains ? Comment le dire, le représenter ? Comment rester inventif et neuf ?). Et à chaque spectacle, à chaque projet, il y a des éléments de réponses, mais rien de définitif. Tout est en mouvement.

La compagnie a travaillé sur des textes de : Fritz Zorn, Marguerite Duras, Hervé Guibert, Blaise Cendrars, R-W Fassbinder, Botho Strauss, Heiner Müller, Tankred Dorst, Edward Bond, Bernard Comment, Sylviane Dupuis, Henning Mankell, Alfred de Musset, Anton Tchekhov, Paul Claudel

La compagnie des orfèvres – Ulysse Di Gregorio
Après une formation de comédien au cours Eva Saint-Paul où il explore également la direction d’acteur, c’est à la mise en scène qu’il décide de se consacrer. Il entre dans le métier en mettant en scène Roberto Zucco de Bernard-Marie Koltés. Il poursuit avec Voix du sang et Une Sorte d’Alsaka d’Harold Pinter, puis c’est à travers l’œuvre de Claudel – L’Echange et la Cantate à trois voix – qu’il précise un travail minutieux sur la langue et insiste auprès de ses comédiens sur la juste restitution que celle-ci nécessite. S’il s’engage dans cette écriture lyrique que les personnages projettent, il s’intéresse également à l’écriture plus contemporaine et « psychologique » de Sarah Kane avec 4.48 Psychose. En 2016, il met en scène Polyeucte de Corneille au Théâtre de l’Essaïon, que l’on pourra revoir en juin 2017 au Théâtre de l’Epée de Bois. Son travail se caractérise par un souci permanent de fidélité à l’œuvre et une esthétique épurée, pour laisser toute sa place à l’imagination. Et dans un monde où les images nous envahissent et se succèdent de plus en plus vite, le silence et l’espace s’imposent dans ses mises en scène, afin de rendre au public ce temps volé, nécessaire à la découverte sensible de l’œuvre. Il passe également à la réalisation avec son premier court-métrage Continuum, et prépare l’adaptation filmée d’Une Sorte d’Alaska. Il travaille actuellement avec le comédien Jean-Quentin Châtelain sur Une Saison en Enfer de Rimbaud dont les premières représentations auront lieu au printemps 2017 au Théâtre du Lucernaire. Parallèlement, il mettra également en scène l’opéra Orphée et Eurydice de Gluck au TOPF Silvia Monfort de Saint-Brice-sous-Forêt en avril 2017.

David Géry - T. d'Or
Au théâtre, il explore d’une part un théâtre qui questionne le temps présent dans sa dimension politique et intime, et d’autre part, un théâtre de la relation qui met en scène les liens entre le visible et l’invisible, à travers la relecture des classique, l’adaptation d’œuvres de la littérature et la découverte d’écritures contemporaines.

David Géry
Metteur en scène, acteur, formateur et peintre.
Il a suivi une formation auprès de Jean-Louis Martin Barbaz, Philippe Duclos, ainsi qu’au Théâtre École de Chaillot durant la direction d’Antoine Vitez. Acteur il a joué sous la direction de Jean-Louis Martin Barbaz, Daniel Besse, Alain Rais, Brigitte Jaques...
A la suite d’un long travail effectué dans le cadre des Ateliers Ouverts, ateliers d’entrainement d’acteurs, initiés par Brigitte Jaques-Wajemann au Théâtre de la Commune, il fonde en 1996, le T. d'Or (théâtre) et crée le premier spectacle de sa compagnie : Britannicus de Jean Racine. Britannicus est repris au Théâtre de Vanves en 1997, puis en tournée en 1998.
En mars 1998, Didier Bezace, nouveau directeur du Théâtre de la Commune d’Aubervilliers lui propose de diriger un travail autour de notre monde contemporain. Il met en scène Une envie de tuer sur le bout de la langue de Xavier Durringer. Le spectacle reçoit le Prix du Meilleur Spectacle 1998 par le jury Étudiant et Théâtre et sera repris en janvier 1999 au Théâtre de la Tempête à la Cartoucherie de Vincennes, puis en tournée.
Cette même année, il prend en charge l’encadrement des formations de la toute nouvelle scène nationale du Phénix de Valenciennes et crée le Théâtre Ecole du Phénix qu’il dirigera jusqu’en 2009.
En novembre 1999, il est invité par l'Ubu Repertory Theater à New York pour mettre en scène Murder in Mind de Xavier Durringer au Théâtre de la MaMa E.T.C.
En janvier 2001, il crée William Pig, le cochon qui avait lu Shakespeare de Christine Blondel à la Comédie de Picardie à Amiens.
En octobre 2002, invité par le manege.mons (Belgique) il met en scène La Nuit à l'envers de Xavier Durringer.
En mars 2003, il met en scène Avoir 20 ans dans les tranchées au Phénix - Scène nationale de Valenciennes, un spectacle tiré de Paroles de Poilus de la Guerre 14-18.
Au printemps 2004, il crée Bartleby d’après la nouvelle d’Herman Melville à Épinay-sur-Seine, puis le spectacle est présenté au Théâtre de la Tempête du 9 mars au 4 avril 2004.
Ce spectacle, salué par la critique, sera de nouveau présenté au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers en 2005 et qui l’invite de nouveau en 2007 à mettre en scène L’Orestie d’Eschyle.
En 2008, il met en scène Rêve d’automne de Jon Fosse que produit L’Espace des Arts de Chalon sur Saône. Ce spectacle sera joué à l’Athénée-Théâtre Jouis Jouvet.
En 2011, son compagnonnage avec l’Espace des Arts de Chalon sur Saône se poursuit et il met en scène deux pièces en un acte de Marivaux : Le Legs et Les Acteurs de bonne foi.
En 2013, il est produit par la scène nationale de Sénart pour mettre en scène Fahrenheit 451 qu’il adapte du roman de Ray Bradbury. Ce spectacle est joué en tournée sur de nombreuses scènes (Sénart, Lyon, le Havre, Chambéry, Chatenay-Malabry, Valenciennes..). et notamment au Théâtre de la Commune d’Aubervilliers.
En 2014, il met en scène Barrage contre le Pacifique qu’il adapte du roman de Marguerite Duras à Eymet en Dordogne.

Agnès Sourdillon
Autoportrait avec oiseau :
"Parmi tous ces oiseaux de passage, l’espèce qui m’importe le plus, c’est le pluvier des hautes-terres. Il quitte les prairies pour voler jusqu’aux pampas, puis il repart en sens inverse au printemps, un miracle de navigation et un voyage incroyable pour six ou huit onces de chair, de plumes, d’entrailles et d’os creux nourries de viande d’insecte."
D’après John Graves, cité par Rick Bass
Avec Valère Novarina, Agnès Sourdillon a traversé sept grands spectacles :
La Chair de l’homme (1995), Le Jardin de reconnaissance (1997), L’Origine rouge (1998), La Scène (2003), L’Acte inconnu (2007), Le Vrai sang (2011), Le Vivier des Noms (2015) et parcouru à pied l’œuvre de Madame Guyon (1996).
Depuis 2004, elle partage également une fidélité de travail avec le metteur en scène Charles Tordjman et les auteurs François Bon (Daewoo, 2004), Bernard Noël (Le retour de Sade, 2005 et La langue d’Anna, 2006-2011), Antoine Volodine (Slogans, 2008) et Ascanio Celestini (La Fabbrica , 2009-2010).
Elève d’Antoine Vitez, elle a par ailleurs joué depuis une vingtaine d’années dans une quarantaine de spectacles, parcourant le répertoire classique et contemporain de Sophocle à Yves Pagès, notamment sous la direction de Alain Ollivier, La Révolte de Villiers de L’Isle-Adam, Bernard Sobel, Le Roi Lear de Shakespeare, Stéphane Braunschweig Woyzek de Büchner et quatre autres créations, Didier Bezace, L’Ecole des femmes de Molière, Patrice Chéreau, Phèdre de Racine, Claudia Stavisky, Oncle Vania de Tchekhov... Elle retrouve pour la saison 2012-2013 Didier Bezace pour la création de Que la Noce commence, une adaptation pour le théâtre du film roumain de Horatiu Malaele et Adrian Lustig. En juillet 2013 elle retrouve aussi pour la troisième fois la Cour d’Honneur du Palais des Papes d’Avignon cette fois-ci pour le projet de Jérôme Bel. D’octobre 2013 à décembre 2014, elle joue avec la compagnie des frères Forman (république Tchèque) Un Beau Matin, Aladin. En 2015 elle joue (en alternance avec Norah Krief) le rôle de Toinette dans Le Malade Imaginaire de Molière mis en scène par Michel Didym.

Dan Jemmett - Eat a Crocodile
Après des études supérieures en Études théâtrales et en Littérature à l’université de Londres, Dan Jemmett fonde, avec Marc von Henning, Primitive Science, une compagnie de théâtre expérimentale qui représente à Londres notamment Médée-Matériau de Heiner Müller (Soho Poly Theater), Antigone de Brecht (Battersea Arts Centre), Quartett de Heiner Müller (Lilian Baylis Theatre), Fatzer, fragments de Bertolt Brecht, montage de Heiner Müller (Gate Theatre), Hunger d’après des textes de Kafka (Purcell Room), Imperfect Librarian d’après des nouvelles de Borgès (Young Vic Theatre).

Dan Jemmett fait sa première mise en scène au Young Vic Theatre avec Ubu Roi d’Alfred Jarry. Le spectacle est repris à Paris, en 1998, au Théâtre de la Cité internationale. Dan Jemmett vit depuis lors en France.

Ses mises en scène en France incluent notamment Presque Hamlet d’après Shakespeare (Théâtre de Vidy-Lausanne, Théâtre national de Chaillot), Shake d’après La Nuit des Rois de Shakespeare, couronné par le prix de la Critique française comme Meilleure Révélation Théâtrale 2000-2001 (Théâtre de la Ville), Dog Face d’après The Changeling de Thomas Middleton (Théâtre de Vidy-Lausanne, Théâtre de la Ville), L’Amour des trois oranges de Carlo Gozzi (Théâtre de Sartrouville et tournée en France), Femmes gare aux femmes de Thomas Middleton (Théâtre de la Ville, Théâtre de Vidy-Lausanne), William Burroughs surpris en possession du Chant du Vieux Marin de Samuel Taylor Coleridge, texte contemporain de Johny Brown, traduit par Marie-Paule Ramo (Théâtre de la Ville), The Little Match Girl, d’après le conte de Hans Christian Andersen, La Petite Fille aux Allumettes, un spectacle créé en collaboration avec le groupe anglais The Tiger Lilies au festival de Syracuse, ayant fait une tournée européenne. En 2010, il met en scène Le Donneur de Bain, de Dorine Hollier au Théâtre Marigny, et La Comédie des Erreurs de William Shakespeare créée au Théâtre de Vidy-Lausanne, en tournée en 2011 et 2012.

Plus récemment, Dan Jemmett a mis en scène une adaptation de Ubu Enchaîné d'Alfred Jarry, crée au Théâtre du Phénix à Valenciennes en 2011, en tournée en 2011 et 2012, une adaptation du Roi Richard III de William Shakespeare, Les Trois Richard, créée au Printemps des Comédiens en 2012, en tournée en 2012 et 2013, et Macbeth (The Notes), crée à Sortie Ouest à Béziers en 2014, en tournée en 2014 et 2015.

Aux État-Unis, Dan Jemmett a travaillé à une nouvelle version de Dog Face au Quantum Theater de Pittsburgh, qu’il fit représenter dans une usine désaffectée connue sous le nom de Heppenstall Plant. Ce spectacle fut joué à Madrid en 2006, au festival de l’automne. Au Quantum Theater, il présente également une adaptation de The Collected Works of Billy the Kid de Michael Ondaatje en 2007, reprise en avril 2013 au Théâtre des Bouffes du Nord. A Pittsburgh, il a présenté aussi en 2009 une version du Dr Faustus de Christopher Marlowe, FaustUS.

En janvier 2008, il retournait à Madrid, pour une mise en scène de la pièce de Tirso de Molina, Le Trompeur de Séville, créée au Théâtre Abadia, avant de présenter en 2013 une nouvelle mise en scène au Teatro de la Abadia : El Café de Rainer Werner Fassbinder. A Varsovie, au Teater Polski, il met en scène La Nuit des Rois de William Shakespeare en 2011, puis La Tempête de William Shakespeare en 2012.

Ses mises en scène à l’opéra incluent La Flûte Enchantée de Mozart, en collaboration avec Irina Brook (Reisopera, les Pays-Bas), L’Occasione fa il Ladro de Rossini (Ensemble Matheus, direction Jean-Christophe Spinozi, Le Quartz, Brest, 2004, tournée en France avec la compagnie de l’ARCAL), The Gondoliers de Gilbert et Sullivan (Deutsche Oper Am Rhein, Düsseldorf, Allemagne), Un Segreto d’Importanza de Rendine (Theatro Communale di Bologna), L’Ormindo de Cavalli crée à la Maison de la musique de Nanterre, avant une tournée en France. En 2010, il met en scène Béatrice et Bénédicte de Hector Berlioz à l’Opéra Comique, à Paris, en tournée au Grand Théâtre du Luxembourg en 2011. Il met en scène la même année Le Freischutz de Carl Maria Von Weber avec un livret français d'Hector Berlioz à l'Opéra Comique, opéra dirigé par John Eliot Gardiner.

Dan Jemmett a mis en scène au Théâtre du Vieux-Colombier en 2007 Les Précieuses Ridicules de Molière, spectacle présenté également en tournée en Europe de l’Est du 10 novembre 2008 au 9 février 2009, repris en mai 2009 au Théâtre du Vieux-Colombier. En 2009, il a mis en scène La Grande Magie d’Edouardo di Filippo à la Comédie-Française, salle Richelieu, spectacle repris les deux saisons suivantes. En 2013 il a mis en scène La Tragédie d’Hamlet de William Shakespeare, également à la Comédie Française, salle Richelieu, spectacle qui sera repris en juin 2015.

En 2014 Dan Jemmett est devenu artiste en résidence à la MAL de Thonon-les-Bains, ou il fonde sa propre compagnie - Eat a Crocodile. Eat a Crocodile prépare une version de Measure pour Measure de Shakespeare en anglais pour le Shakespeare Festival à Neuss, Allemagne, en Juin 2015, une reprise de Shake au théâtre de Carouge, Genève, en Octobre 2015, et la création d’une nouvelle pièce Clytemnestr@pocalypse de l’auteur americain David Turkel pour 2017.

Franck Lepage
Franck Lepage est l'un des fondateurs de la coopérative d'éducation populaire Le Pavé. Militant de l'éducation populaire, il a été jusqu'en 2000 directeur des programmes à la Fédération française des Maisons des jeunes et de la culture et chargé de recherche associé l’Institut national de la jeunesse et de l'éducation populaire.
En évoquant la mémoire de Christiane Faure, il aborde de façon critique le rôle de la culture dans la société avec un spectacle intitulé Inculture(s) 1 - L'éducation populaire, monsieur, ils n'en ont pas voulu..., qu'il a joué plus de quatre cents fois lors de "conférences gesticulées" entre 2006 et 2014.
En 2010, Franck Lepage crée, sur le même dispositif mêlant conférence et one-manshow, Inculture(s) 2 dans lequel il traite du rôle de l'enseignement. Puis Inculture(s) 5 avec Gaël Tanguy, sur la protection sociale à partir du travail théorique de Bernard Friot.
Avec les quatre coopératives d'éducation populaire qui composent "la Grenaille", ("Le Pavé" à Rennes, "L'orage" à Grenoble, "Le vent debout" à Toulouse, et "l'engrenage" à Tours), il accompagne la réalisation d'autres conférences gesticulées dans le cadre de formations organisées par ces coopératives. Une centaine de conférences sont réalisées fin 2014.
L'auto-dissolution du Pavé en décembre 2014 le voit co-fonder une nouvelle structure d'éducation populaire politique, avec un groupe de conférenciers gesticulants radicaux, association baptisée "L'Ardeur". Elle verra le jour en 2015 et se concentrera sur l'action avec les syndicats, la formation de nouvelles conférences gesticulées et l'édition d'outils militants.

Biographie
Après être entré à l'Institut d'études politiques de Paris5, il est refusé en seconde année mais étudie les langues orientales et le droit et se tourne vers la pédagogie.
Instituteur en classe de transition en 1974, il découvre l'animation en 1975 et intègre les Départements Animation socioculturelle et Sciences de l'éducation au Centre universitaire expérimental de Vincennes — dit Faculté libre et ouverte de Vincennes (Paris 8) — en 1977.
L'animation y est présentée comme pratique de "la remise en cause de toutes les institutions du capitalisme". Il se détourne de l'animation pour le théâtre en 1980 et entame des études théâtrales à l'université de Paris 8 (Vincennes à Saint-Denis). Il fonde sa compagnie en 1985. Il intègre la Fédération française des Maisons des jeunes et de la culture en 1987 et entend parler pour la première fois de l'éducation populaire, sans que personne ne puisse lui proposer une définition convaincante de cette notion.
C'est en essayant de porter la question culturelle des MJC auprès du ministère de la Culture qu'il explore la violence de la séparation symbolique culture/socioculture en France. Il entreprend alors, avec quelques autres, de théoriser l'éducation populaire comme "travail de la culture dans la transformation sociale et politique" et anime une dynamique de recherche à la FFMJC. À la faveur d'une étude pour le Ministère de la Jeunesse et des Sports, il rencontre les fondateurs de la Direction de l'éducation populaire en 1994. Animateur de l'offre publique de réflexion sur l'éducation populaire, en 2000, il corédige un rapport ministériel qui tente de convaincre la ministre Marie-George Buffet d'engager une politique digne de ce nom. Il quitte la FFMJC et crée un spectacle sur l'éducation populaire, "Inculture(s)".
Il coanime depuis 2003 une "offre civile de réflexion sur l'éducation populaire".
En 2007, il fonde avec cinq autres personnes la coopérative d'éducation populaire et transformation sociale Le Pavé.
En 2012, il se définit comme militant politique : "Je suis militant politique, pas artiste. [...]
Artiste, c'est un statut social. Mais le système refuse de me voir comme un militant : sur Wikipédia, je suis "un humoriste français". L'art, la culture détruisent la politique."
Il quitte la SCOP Le Pavé en avril 2012 pour se consacrer pleinement à l’accompagnement des conférences gesticulées au sein de "La Grenaille", un réseau de coopératives d’éducation populaire.

Publications
• Rapport sur l'éducation populaire ou le travail de la culture dans la transformation sociale et politique2, 2000, rapport ministériel pour Marie-George Buffet (alors ministre de la Jeunesse et des Sports).
• "De l’éducation populaire à la domestication par la "culture", Le Monde diplomatique, mai 2009.
• Éducation populaire, une utopie d'avenir, éd. Les Liens qui libèrent, 2012.

Bibliographie
• 2007 : Incultures - Tome 1, L'éducation populaire, Monsieur, ils n'en ont pas voulu... ou Une autre histoire de la culture, Cerisier (ISBN 978-2-87267-109-0)
• Participation au Livre noir de l'animation socioculturelle, Éditions L'Harmattan, 2005
• Participation à l'ouvrage collectif Altergouvernement, paru aux éditions Le Muscadier, 2012 : Franck Lepage s'y incarne comme le ministre de la Culture de l'Altergouvernement, un gouvernement fictif composé de 18 citoyens, non politiciens de métier, tous reconnus pour leur engagement dans leur domaine.

Références
• a et b [PDF] Rapport sur l'éducation populaire ou le travail de la culture dans la transformation sociale et politique [archive]
• (fr) texte et vidéo du spectacle "L’Education Populaire, monsieur, ils n’en ont pas voulu !" [archive]
• France Culture, émission du 24 décembre 2014. [archive]
• Franck Lepage. Coluche bourdieusien [archive] portrait dans Libération, 8 juin 2014.]
• Grégoire Souchay Scop Le Pavé : l’éducation populaire dans ta face [archive] Article11, 18 mars 2011.
• Voir sur sudouest.fr. [archive]
• Page de présentation de l'équipe de la SCOP Le Pavé. [archive]
• Article sur l'éducation populaire dans Le Monde diplomatique mai 2009 [archive].
• Franceinter.fr [archive], consulté le 5 février 2013.
• Voir sur muscadier.fr. Interview juin 2009
• Radio Là-bas si j'y suis - Daniel Mermet - France Inter 2010 "Pour une éducation populaire"
• Radio Là bas si j'y suis - Daniel Mermet - France Inter 2012 " Le printemps Français"
• Radio Là-bas si j'y suis - Daniel Mermet - France Inter 2013. "Trois réacs à la FIAC" "trois réacs à la FIAC"
• Interview en vidéo, janvier 2011 par l'université populaire de Roubaix (Accès payant)
• Longue vidéo sur le personnage et son travail par Arrêt sur images, 2012
• Article de Sud Ouest sur les conférences gesticulées et Franck Lepage, 2012
• Intervention sur l'école à "Ce soir ou jamais", Frédéric Taddei, France 2

Nicolas Saelens - Théâtre Inutile
Nicolas Saelens, metteur en scène, fonde la Compagnie Théâtre Inutile, basée à Amiens, en 1994. En 1998 et 1999, il travaille au Cameroun où il met en espace des lectures publiques et met en scène le spectacle Biokysedi à partir de textes d’auteurs camerounais. Ces années marquent la rencontre avec Kossi Efoui et le début d'un travail autour des écritures de la scène et des écritures contemporaines.

Il travaille la question de l'enfermement et des outils du théâtre comme moyen d'y répondre. A partir de 2001, il intervient en milieu carcéral en proposant aux détenus de travailler à constituer leur propre langage poétique avec « Poésie en matière », et met en scène en 2003 Le SAS de Michel Azama. Cette réflexion se poursuivra avec Compagnie au pied du lit, créé en 2011, qui propose des spectacle joués dans un castelet au pied du lit pour enfants alités à l'hôpital, projet réalisé en coopération avec Javier Swedzky, marionnettiste argentin. Cette démarche se poursuivra dans les années à venir avec le projet Castelet d'histoires pour demain.

En 2005, il invite l’auteur Kossi Efoui à le rejoindre pour un dialogue permanent sur les projets de la compagnie. Il met en place avec les différents collaborateurs un processus de création qui interroge la hiérarchie des écritures. Il se place avant tout dans son travail de metteur en scène comme un tisserand des différents éléments de la scène. De 2006 à 2015, il met en scène : Le Corps Liquide, Happy End, Concessions, Enfant, je n'inventais pas d'histoires, Oublie !, Voisins anonymes (ballade), En Guise de divertisssement, La Conférence des Chiens..., des spectacles joués sur les plateaux de théâtre et d'autres TTT – théâtre tout terrain -

Il conduit un projet artistique qui se développe sur différents territoires. Un projet qui partage les outils du théâtre avec les publics dans une notion d’égalité d’esprit à esprit. La compagnie est en résidence au Palace à Montataire de 2009-2012. En 2011, elle est conventionnée avec l'Etat – DRAC Picardie, le conseil régional de Picardie, le conseil départemental de la Somme et Amiens Métropole. Fin 2010, Nicolas Saelens est associé au nouveau projet du Safran, la compagnie est en résidence au Safran de 2011 à 2015. Cette association aura participé au conventionnement fin 2012 du Safran : scène conventionnée pluridisciplinaire et d’expérimentation.

La pratique et les expérimentations mises en place avec Le Safran dans le cadre de la résidence de la compagnie, 2011-2013, a donné naissance au « Laboratoire art et époque » (2014-2016). La rencontre avec Miguel Benasayag dans le cadre de cette recherche a nourri la création de La Conférence des Chiens (janvier 2015) et celle de Sans ombre (février 2017). Il interroge aujourd'hui le théâtre comme une forme de résistance du vivant et de nos corps face à la numérisation de nos sociétés et à la colonisation des nouvelles technologies.

La Compagnie Théâtre Inutile
La Compagnie Théâtre Inutile mène depuis 2006 un travail sur les écritures scéniques multiples et considère le théâtre comme un lieu privilégié pour guetter l'émergence de nouvelles formes (artistiques, politiques, socio-économiques) traversées par un constat : Notre époque, marquée par le mythe de la performance sans limites, provoque dans le quotidien des corps des réactions violentes de souffrance, d'agressivité (luttes sociales) et d'abattement individuel (suicide sur le lieu de travail).

L'art vivant (non comme produit de consommation mais comme élément de production du lien entre la société, l'époque et nous-mêmes) pose des questions qui dépassent depuis longtemps la scène et les murs du théâtre. Qu'est-ce qui fait lien aujourd'hui ?
Le Corps liquide, récit où la chute d'un corps se transforme en comptine,Happy End, Concessions, Enfant, je n'inventais pas d'histoires sont autant de projets élaborés à partir du principe de la co-construction : une simultanéité de toutes les écritures, de l'objet plastique à l'espace sonore, de la lumière aux costumes, de la scénographie au travail d'acteur, avec la présence de la marionnette qui nous permet de créer des liens subtils.
Cette recherche d'une dramaturgie plurielle s'affine au fil des spectacles : en 2010, Oublie !, L'orateur et En Guise de divertissement en 2013, La Conférence des Chiens en 2015 imposent définitivement ce mode de fonctionnement.

Et si le processus se réinvente en temps réel, notre glossaire ne change pas : entrainement réciproque, co-inspiration, partage des outils - chaque outil étant un observatoire singulier, une langue singulière - cela implique la « traduction à plusieurs voix ». Au rythme des répétitions, dans un éclatement d'espaces poétiques, l'écriture est une ligne de fuite qu'il faut mettre en perspectives, à plusieurs : la poursuite du sens suppose que l'on pratique l'accueil des contradictions. Ce qui, à l'arrivée, débouche sur des oeuvres hybrides qui se tissent et s'entrouvrent de brèches, de moment de contrebande.

Nous utilisons la marionnette en tant que principe de travail. Nous invitons cette forme de manière un peu singulière : c'est via la marionnette et ses principes que nous interrogeons les écritures scéniques. La marionnette est également importante car elle convoque le comédien au niveau de l'acte et non à un niveau psychologique. Enfin, elle permet de faire émerger un espace de projection dont nous délimitons les cadres, les limites.

Car si la Compagnie s'appelle Théâtre Inutile, c'est bien parce que nous avons conscience que l'inutile dont il est question n'est pas opposable à l'utile : c'est son double sans lequel nous ne serions que pure fonctionnalité, tout comme l'invisible n'est pas opposable au visible. L'univers n'est pas obligé d'être beau pour fonctionner, nous dit François Cheng, et pourtant il est beau.
Que serait donc un monde strictement utile ? Et à qui ?

Ilka Schönbein - Theater Meschugge
Originaire de Darmstadt, Ilka s'est formée à la danse eurythmique de Rudolph Steiner qui prône l'alliance de l'âme et du geste plutôt que l'effort et la technique. Puis elle a étudié avec le marionnettiste Albrecht Roser à Stuttgart. Ses études terminées, elle a tourné une dizaine d'années avec d'autres compagnies avant de créer sa compagnie: le Theater Meschugge, et se lance sur les routes avec ses propres spectacles.

Métamorphoses a été créé pour la rue, pour toucher tous les publics. Puis, sans abandonner la rue, Ilka a accepté d'adapter son spectacle aux scènes de théâtre en y ajoutant un deuxième personnage, interprété d'abord par Thomas Berg son technicien allemand, puis Alexandre Haslé, acteur français, ensuite Mô Bunte, marionnettiste allemande.
Chaque fois, Ilka a créé une nouvelle variante et avec sa dernière partenaire, elle en a même fait deux. Les masques et les costumes changent, certaines scènes et personnages disparaissent pour laisser place à d'autres. Métamorphoses, devenu Métamorphoses des Métamorphoses, a ainsi connu cinq versions dont la totalité évoluait d'un humour acide, si typique pour l'Europe Centrale, vers une vision intensément noire du monde, et l'accent passait de la marionnette au mime puis à la danse pour aboutir à un équilibre entre tous ces moyens d'expression. Tant qu'elle joue, Ilka ne considère jamais ses spectacles comme achevés: elle les vit et ils vivent avec elle.

Le Roi Grenouille lui a donné l'occasion de revenir au jeune public. Il a été créé en mai 1998 en coproduction avec le Théâtre d'Ivry Antoine Vitez et en collaboration avec le Conseil Général du Val de Marne, le Théâtre National de Montpellier, le Festival Mimos de Périgueux et le Théâtre National des Jeunes Spectateurs de Montreuil. Le Roi Grenouille a connu deux versions, la première avec Alexandre Haslé, la seconde avec Mô Bunte. Ilka reprendra ce spectacle en 2005, sous le titre Le Roi Grenouille III, avec les comédiennes Simone Decloedt et Britta Arste, l'accordéoniste Rudi Meier, et le chanteur haute-contre Christian Ilg, puis avec Reiner Philipp Kais chanteur haute-contre.

Le Voyage d'Hiver est né en automne 2003 au Théâtre Gérard Philipe à Frouard en Lorraine, en collaboration avec l'ABC de Bar-Le-Duc, le Théâtre Romain Rolland de Villejuif, Le Prisme de Saint-Quentin-en-Yvelines et le Conseil Général du Val de Marne. Puis il a été représenté au Festival Mondial de la Marionnette de Charleville-Mézières, à la Manufacture de Nancy, au Nouveau Théâtre d'Angers CDN, au Théâtre de la Commune d'Aubervilliers et dans de nombreux autres théâtres. Il est inspiré de l'œuvre de Franz Schubert et de Wilhelm Müller. La mise en scène a été assurée par Ute Hallaschka et par Ilka Schönbein qui a aussi créé les masques, costumes et joue le rôle principal. Christian Hilg, interprète les Lieder de Schubert, Rudi Meier a brillamment transposé l'œuvre originale pour l'accordéon, Simone Decloedt l'assiste dans le rôle d'une Harpie, et le texte français a été enregistré puis incarné successivement par les comédiennes Paule d'Héria et Marie-Laure Crochant.
Malgré l'excellent accueil du spectacle, deux semaines après sa première, Ilka s'est remise à l'ouvrage, a théâtralisé l'interprétation de Christian Hilg qui assume très bien son nouveau rôle, a ajouté des intermèdes évoquant à la fois le voyage sans fin de son personnage et la fête foraine. En 2005, avec la collaboration artistique de Mary Sharp, Ilka implique dans son jeu la comédienne Nathalie Pagnac qui accompagne ce long chant lyrique en montrant comment cette douleur et le sentiment de perdition qu'ils engendrent, peuvent s'exprimer par le corps et la voix.

Chair de ma Chair est né d’une résidence en août 2006 au Théâtre Le Grand Parquet (Paris 18ème). Ce spectacle est produit par Les Métamorphoses Singulières et coproduit par ARCADI (Action Régionale pour la Création Artistique et la Diffusion en Ile-de-France), avec le soutien de la Ville de Paris, de la DRAC de la Région Ile-de-France et de la Mairie du 18ème à Paris. Il est inspiré du roman Pourquoi l'enfant cuisait dans la Polenta d'Aglaja Veteranyi, un récit mémoire désespéré et merveilleusement poétique d'une enfant de cirque, qui évoque tour à tour les rapports mère, enfant, douleur de la perte, solitude, frénésie, adversité, nomadisme, déracinement...
Ilka a travaillé la dramaturgie avec Mary Sharp, et confie l'interprétation du texte français à Nathalie Pagnac. Chair de ma chair a été créé au Festival Mondial de Marionnettes de Charleville-Mézières.
Dans le but de renforcer l'univers forain, circassien, Ilka ajoute une troisième comédienne, Bénédicte Holvoote pour quelques interventions en italien.
Le spectacle existe maintenant en quatre langues : français, espagnol, anglais et allemand. Il a été joué dans différents pays tels l'Espagne, l'Italie, la Suisse, la Hollande et l’Allemagne.
Il a été présenté en version allemande, anglaise, italienne et espagnole.

Ilka Schönbein collabore également avec des marionnettistes pour faire des mises en scène, elle a créé le loup et les sept chevreaux avec Kerstin Wiese en 2006 (300 dates de tournées), Faim de Loup avec Laurie Cannac en 2009 (325 dates de tournée) qui a été nominé pour les Molières jeune public en 2010. Elle créé Queue de poissonne en 2013 avec Laurie Cannac.

Patrick Sims - Les Antliaclastes
Les Antliaclastes sont une compagnie de théâtre de marionnettes basée à Maillet, France. La compagnie est dirigée par Patrick Sims, fondateur et ancien directeur artistique des Buchinger’s Boot Marionnettes. Les Antliaclastes utilisent un mélange unique de techniques et styles de marionnettes, masques, machines, et bandes originales organiques. Leurs spectacles essentiellement muets avancent aux rythmes des surprises incessantes et d'images violemment contrastées. La Compagnie Les Antliaclastes réunit des artistes et des techniciens venant des USA, d’Allemagne, d’Angleterre, d’Irlande et de France.
Patrick Sims (né en 1975, Vermont USA) pratique l’art de la marionnette depuis 1994. Cette passion est née pendant ses études de cinéma et d’animation à Middlebury College, USA. Il travaille ensuite avec le Bread and Puppet Theater, étudie le théâtre d’ombres à Java, et commence son doctorat au Trinity College de Dublin – sa thèse : la Pataphysique de la marionnette, Alfred Jarry et l'interprète inhumain . Pendant 5 ans, il est directeur artistique, auteur, facteur de marionnette et marionnettiste des Buchingers’ Boot Marionnettes et circule entre Barcelone et Marseille. En 2010 il fonde avec Joséphine Biereye, la compagnie Les Antliaclastes et mène plusieurs projets, de théâtre, d'installation, de musique, et d'opéra électronique multimédia. La Compagnie s'installe à Maillet, dans l’Allier. Il crée tout d’abord Hilum, en 2010 ; spectacle qui ne cesse de tourner depuis (Angleterre, France, Suisse, Allemagne entre autres). Le vieux de la montagne / The old man of the mountain est un projet qu’il porte depuis 2008 et dont il a rédigé les prémices pendant deux résidences à La Chartreuse, Centre Nationale des Ecritures du spectacle à Villeneuve les Avignon. Son travail a déjà convaincu bon nombre de partenaires dans sa région d’implantation, l’Auvergne, ainsi que des partenaires plus lointains. Il obtient en 2011 le prix de la dramaturgie plurielle attribué par le Centre National du Théâtre, pour son projet Le Vieux de la Montagne. Il créé Acting Bug en 2013 au Théâtre de Vidy Lausanne.

Les Compagnons d'Ulysse
C'est l'histoire d'un groupe de copains qui ont embarqué sur le même navire pour le même idéal : "Partager avec vous les trésors de leurs voyages". La troupe est composée de 6 comédiens (4 garçons, 2 filles) polyvalents (mise en scène, écriture, chant, musique, son, lumière). Leur nombre sur chaque prestation varie en fonction de la commande. Une violoniste rejoint l’équipe occasionnellement suivant la forme de l’évènement ou la demande.

Le théâtre des Compagnons d’Ulysse est un voyage hors des sentiers battus à travers les écrits secrets, inédits, intimes des hommes disparus (poètes, artistes, politiques, soldats, scientifiques, explorateurs... ). Le but est de dévoiler la face cachée de l’histoire et de donner à tous, adultes et enfants, par un échange ludique, les clefs de la réflexion.

Leur tâche consiste le plus souvent à théâtraliser des lettres et manuscrits inédits pour les jouer, les incarner avec fraîcheur, les remettre au goût du jour et les rendre accessibles à tous. Renouveler l’intérêt de chacun pour la culture est notre cheval de bataille. Notre théâtre est pour cela novateur et frondeur. Il se joue dans des lieux inattendus, rarement utilisés pour le théâtre mais théâtraux par essence parce qu’ils ont une âme (musées, églises, châteaux, ruines médiévales, places de villages, salles de conférence...)

Leur idée du théâtre est que la culture peut être amenée partout, en toute circonstance pourvu que la démarche soit ludique et que le lieu soit propice à l’émerveillement : la valorisation de sites à forte valeur culturelle est de transmettre une culture inédite avec le jeu.